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Barbara Ghisi - Artista - Sus obras

Barbara Ghisi - Artista - Sus obras


ARTE Y MEDIO AMBIENTE

Barbara Ghisi, las obras

Acuario

«Los fondos marinos, representación de mundos sumergidos y desconocidos, representan los lugares del alma. Cada obra es un viaje introspectivo en busca de uno mismo ».Título: Acuario
Técnica: Pintura al óleo sobre lienzo
Dimensiones: 100 x 120 cm
Año: 2011

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¿Quién era Barbara Hepworth?

Barbara Hepworth fue una artista inglesa famosa sobre todo por sus esculturas, consideradas entre las primeras obras abstractas de la historia del arte inglés. Hoy, Barbara Hepworth es celebrada por Google con un garabato porque el 25 de agosto de 1939, hace ochenta y un años, se mudó a St. Ives, una pequeña ciudad en la costa sur de Inglaterra, donde construyó su propio estudio y se quedó para el resto de su vida. carrera.

Barbara Hepworth nació en Wakefield, West Yorkshire, en 1903. Su padre era ingeniero y le permitió estudiar y obtener una beca para la Leeds School of Art primero y luego para el Royal College of Art de Londres. En ese momento Barbara Hepworth aprendió una nueva técnica para su época: esculpir directamente el material elegido, sin construir modelos preparatorios. En 1924 contrajo matrimonio con el artista John Skeaping, con quien permaneció vinculada hasta 1931. En 1932 inició una relación con el pintor Ben Nicholson, con quien realizó varios viajes por Europa, durante los cuales entró en contacto con el arte de Mondrian, Braques. , Picasso y Brancusi.

Corinthos, obra de Barbara Hepworth expuesta en la Tate de Liverpool, 1954-1955 (Wikimedia Commons)

Hepworth se inspiró en estos artistas y en la década de 1930 comenzó a centrarse en las formas abstractas, ganando algo de fama internacional: en 1950 representó a su nación en la Bienal de Venecia, en 1959 ganó el primer premio en la Bienal de San Paolo y en 1965 hubo una retrospectiva de su trabajo en el Museo Kröller-Müller de los Países Bajos.

A pesar de poder jugar un papel importante en un mundo dominado por hombres, Barbara Hepworth nunca fue una militante feminista, ni investigó los roles de género en sus obras. Simplemente pidió, durante su vida artística, que la trataran como "escultora" y no como "escultora". El sitio web de la Tate Modern de Londres resume el significado de su producción artística de la siguiente manera: «Incluso si tiene que ver con las formas y la abstracción, el arte de Hepworth se trata principalmente de relaciones: no solo entre dos formas colocadas una al lado de la otra, sino entre la figura humana y el paisaje circundante, entre el color y la composición, y sobre todo entre las personas a nivel individual y social ».


ROBERTA DIAZZI - SUEÑOS DE CRISTAL

Zanini Arte se complace en invitarlo en el próximo Vernissage de El EXPOSICION PERSONAL de ROBERTA DIAZZI, SUEÑOS DE CRISTAL editado por BARBARA GHISI. El evento se llevará a cabo SÁBADO 18 DE NOVIEMBRE a las 18.00 horas en la Galleria di VIA VIRGILIO 7 a SAN BENEDETTO PO (MN), con el patrocinio de la Municipalidad de San Benedetto Po.

Galleria Zanini Arte tiene el placer y el honor de albergar en sus salas la exposición "Crystal Dreams" de Roberta Diazzi, nueva ganadora del premio "Leone d'oro" en la gran gala de Arte Cinema e Impresa de Fondazione Mazzoleni como artista emergente 2017. La poética artística de Roberta siempre se ha basado en la relación bidireccional entre objeto y concepto, inicialmente cercana al lenguaje del Pop Art americano, posteriormente se transforma mediante el uso de cristales Swarovski certificados, con diferentes diámetros para dar energía y poder. a la composición. Una larga investigación sobre los materiales y sus infinitas posibilidades llevó al artista a desarrollar un lenguaje original, expresivo y sintético, a través del cual da vida y forma al pensamiento y la reflexión. En las obras de Roberta Diazzi, todo está considerado con gracia y es precioso. Es una preciosidad que se juega en la unión entre una acción antigua basada en una fabricación alejada de los tiempos agitados del mundo actual, y las obras mismas. Obras que aparecen como testimonio visible de una pasión vital, cuidadosamente procesadas en cada relieve que imparte el cristal, cada variación superficial que ocupa un lugar preciso en la creación de una armoniosa partitura general. Al pasar por las manos del artista, la rigidez de la piedra Swarvoski cobra vida, toma forma, se convierte en la suave calidez de las curvas, de sinuosas espirales que dan forma a figuras del mundo animal, o imágenes que hablan de vidas vividas. Un alma de sugestivos e intensos resplandores que muestran las obras al ser golpeadas por la luz, como revelación de una vitalidad escondida, escondida y lista para estallar con la fuerza cromática de una apariencia sobrenatural. Pintar con cristales es para Roberta Diazzi apoyar un flujo creativo continuo e ininterrumpido: se destaca una reflexión sobre la transparencia del plexiglás, como una imagen inesperada, recordándonos así dejarnos llevar por el aire de la imaginación.

La elegancia y el refinamiento de la obra de arte.

Sorprende el camino artístico y expositivo que ha hecho Roberta Diazzi en unos años. Pero aún más sorprendentes son los objetivos que el artista modenes ha logrado a través de la meritocracia con sus propios recursos. Es notable la coherencia con la que ha perseguido un estilo personal a lo largo del tiempo, variando los materiales y temas de los temas representados. Algunos críticos afirman que la historia del arte se compone de la sucesión de movimientos y lenguajes, de los que surgen las experiencias solitarias de artistas innovadores. Estos contribuyen a la aportación original de nuevas técnicas y estilos que, sin embargo, al no ser fácilmente interpretables o alcanzables, siguen siendo únicos en términos de innovación y calidad lograda. ¡Este es el caso de Roberta Diazzi! Sus trabajos, que a primera vista pueden parecer sencillos, son en cambio el resultado de una búsqueda de materiales preciosos y caros no fácilmente disponibles para todos, y por esta razón también buscados por los clientes más ricos y exigentes. Para compensar ese espíritu inquieto y contemporáneo de una sociedad que siempre impone nuevos deseos y sueños cada vez más amplificados. Su elegante y difícil disposición en la obra se deriva entonces de una larga experiencia, enriquecida y refinada paso a paso. Los cristales Swarovski de diferentes tamaños y colores son los protagonistas absolutos de sus prestigiosas obras. A partir de 2011, estos preciosos materiales facetados y reflectantes componen íntegramente sus creaciones. Con medidas que oscilan entre 4 y medio milímetro de diámetro, para poder cubrir incluso los espacios más pequeños de la superficie procesada, se descomponen y reflejan luces y colores, dando a los sujetos vibración y vivacidad. Cada obra también va acompañada de un certificado de autenticidad de los cristales Swarovski. La luz es necesaria para el disfrute del trabajo. Si es directa o tangente crea reflejos o sombras que modifican la visión, acentuando la movilidad y el dinamismo de las formas. Luego, la imagen se integra y completa con la sensibilidad y la percepción personal. Sus obras viven por diferentes pasajes: la imagen fotográfica que la artista descompone para dibujar dibujos a los que ella misma atribuye juegos de luz y oscuridad, colores fuertes y colores suaves, juegos de sombras y luces. A continuación, los dibujos se transfieren con el lápiz suave a mano alzada sobre el soporte. Incluso la superficie sobre la que se aplican los cristales es el resultado de una larga búsqueda de materiales, para realzar su preciosidad hasta el enésimo grado. Este es el plexiglás negro. Tableros brillantes que aumentan la refracción luminosa y tonal hasta el punto de recrear una segunda obra reflejada. Un alma escondida entre la oscuridad y la luz que emerge a partir de la posición del observador. Significados superpuestos y multisensoriales por tanto, para obras que además de ser vistas, también se pueden tocar. Y a través del tacto, como la luz, entra en el alma del espectador. Investigación, elegancia y profesionalidad distinguen, por tanto, la obra de este artista, humilde y sencillo en su ser, pero tenaz y perseverante en sus propósitos. Partiendo de los sólidos cimientos de la especialización en técnicas gráficas, lograda en el Instituto de Arte "Venturi" de su ciudad, supo utilizar la inmediatez comunicativa del signo a través de la técnica Pop Art. La elegancia de las imágenes, ya sea en color o en tonos de gris entre blanco y negro. El placer de la visión estética que se funde con la inmediatez del sujeto representado, manteniendo el carácter exclusivo de la obra de arte única. No es casualidad que personas del calibre de Luciano Pavarotti o miembros de la familia Ferrari quisieran un retrato de su mano. Y los retratos de este artista van más allá de los datos psicológicos y nos brindan imágenes humanas y realistas subordinadas a la necesidad de la forma. La ilustre princesa Carolina de Mónaco reconoció y premió el refinamiento de las obras de Diazzi, guardándose una de sus obras para ella. ¡Pero no solo! El prestigio de esta artista también ha sido reconocido en el exterior, tanto que la primera dama china Peng Liyuan quiso un retrato de ella íntegramente elaborado con 4800 cristales Swarovski. Tras ferias de arte nacionales e internacionales la han visto protagonista. Para coronar este importante compromiso, en septiembre de 2017 en Venecia fue galardonada con el "León de Oro como artista emergente 2017" de la fundación Mazzoleni. Por tanto, si a primera vista Roberta Diazzi puede parecer una artista simplemente decorativa, como prueba de lo contrario está la profundidad de un camino que tiene sus raíces en la experiencia de un espíritu creativo contemporáneo, inteligente y sensible, destinado a renovarse. investigar continuamente en el arte la máxima carga expresiva.

El artista

Roberta Diazzi es una artista modenesa, se graduó en el Instituto de Arte A. Venturi con experiencia gráfica en publicidad. Cuenta innumerables colaboraciones con importantes galerías, tanto italianas como extranjeras, presentes en el territorio monegasco y en la cercana Lugano. Ha participado en diversas ferias en Europa, en el territorio asiático: Hong Kong, Seúl, Singapur y en América: Miami y Nueva York, San Petersburgo. Su pintura al óleo se caracteriza por un firmar lo que hace que sus obras sean exclusivas, pero su peculiaridad artística radica en el uso de cientos de miles de cristales Swarovski certificados de diferentes diámetros aplicados sobre soportes generalmente negros, imprescindibles para realzar el brillo, la luz y los colores de los cristales. No pinturas sino mosaicos de luz calibrada y cortada para dar energía y potencia a las figuras. El artista se inspira en el arte posmoderno, atribuible a esa original revisión estilística derivada del cómic de Roy Lichtenstein y del Pop-Art de Andy Warhol que impuso el "must" de sus retratos a los vip de su tiempo. El pintor ha recibido importantes encargos de ilustres familias italianas, entre ellas la familia Ferrari, la familia Montezemolo y el propio Luciano Pavarotti. Desde hace varios años, su arte también se ha buscado considerablemente en el extranjero: en el Principado de Mónaco, la princesa Carolina exhibe la obra "l'œvre pop de Monaco" en su estudio real. Por último en orden cronológico pero sin importancia recordamos el retrato de Peng Liyuan, catalogado entre las obras más importantes de la colección privada de la Primera Dama de China. Hoy Diazzi, junto a los rostros conocidos de la vida mundana, está flanqueado por importantes estrellas que corren peligro de ser olvidados. Podemos definirla como una "pintora de animales", sus retratos, de hecho, reproducen animales feroces, regios, salvajes que miran hacia el espectador distraído. Prisioneros de los fotogramas, señalan, caminan y vuelan hacia nosotros que los estamos mirando mientras los borramos de su mundo. El arte es una necesidad y la necesidad de Roberta Diazzi es llevar su rugido a nuestras conciencias.

ENTRADA GRATIS

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Del pegar al feminismo: quién es Barbara Kruger y qué ha hecho por los derechos de las mujeres

Con motivo del día mundial contra la violencia contra la mujer, releemos la historia de la artista estadounidense: hoy sigue siendo un referente del arte a favor de los derechos civiles.

La New York Times recientemente elegido Barbara Kruger entre las grandes del año, insertándolo entre cinco personajes más influyentes de 2020 - junto con FKA Twigs, Dawoud Bey, Angela Davis y Sigourney Weaver. Cuando pensamos en Barbara Krugerel tuyo inmediatamente me viene a la mente Ópera más famoso: "Sin título (tu cuerpo es un campo de batalla)". Era 1989 y el mundo caminaba bajo la mirada de uno. mujer cuyo rostro, a medio camino entre la realidad y su propia polarización, dominaba el paisaje de Washington. Las mujeres marcharon por las calles de la capital de los Estados Unidos de América contra la legislación antiaborto, que vio a Roe versus Wade alineados en un duelo político. Mientras tanto, las rayas rojas en esa cara de Kruger decían: "Tu cuerpo / es un / campo de batalla".

Revolucionario y eterno con los suyos carteles Barbara Krueger transformó las paredes de Nueva York en pizarrones de comunicación activa. Después de todo, "los muros no son sólo lo que son. También son lo que nos gustaría que fueran: apoyo de las esperanzas, protección del presente", para decirlo en Sottsass. En los mismos años, el ciudad empezaron a recoger un grito visionario: un Nueva YorkGracias a la ayuda de sus estudiantes en el Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney de Arte Americano, Barbara Kruger empapeló la ciudad con su manifiesto unos meses después, el Centro Wexner para las Artes de la Universidad Estatal de Ohio le encargó que hiciera una versión más grande. Su póster iconográficamente estaba tan asociado con la lucha pro-aborto que, en 12 horas, un grupo opositor colgó otro en respuesta, que representaba a un feto de ocho semanas. Ya al ​​comienzo de la Años noventa, Barbara Kruger se había convertido en elartista-icono de los derechos de la mujer. Y nunca dejó de serlo. Porque incluso en un pasado bastante reciente, Kruger ha firmado una portada del Revista de Nueva York con motivo de la elección del expresidente de los Estados Unidos: estamos en 2016 y el rostro de Donald Trump en la portada luce las irreverentes palabras "perdedor" - protesta contra los numerosos declaraciones misóginas emitido por el magnate estadounidense.

Durante los últimos veinte años, laEl trabajo de Kruger ha crecido hasta el punto de envolver a los visitantes en salas enteras de galerías y museos, a través de exposiciones (también) inmersivas e interactivas de sus obras. Hoy, "enfrentarse a su inquietante durabilidad significa desarmarse frente a las diferencias de poder y riqueza (.) Y ayuda a reflexionar sobre una cierta recurrencia de los temas en la historia", escribe Megan 'O Grady en New York Times. Por ejemplo, en junio de este año, las obras realizadas en Los Ángeles unos meses antes acompañaron las protestas en nombre de George Floyd. Por lo tanto, las palabras "¿Quién compra la estafa?" fueron el telón de fondo de las filas de personas esposadas a una pared a lo largo de Sunset Boulevard. Todo tipo de injusticia ha dado lugar a obras de denuncia, pero está ahí mujer haber conquistado el protagonismo de su discurso artístico. Empezando desde degradación de la belleza de los cánones femeninos estereotipados para revelar las presiones psicológicas que a menudo sufren las mujeres - formas de violencia contemporánea, uniforme y, a veces, invisible: Kruger ha intentado desentrañar los mensajes tradicionales de adv hablar (y hablar) con los transeúntes en los espacios públicos. No a la mujer etérea y perfecta y sí a la libre elección. ¿Feminista? Sí, pero sin extremos. Ha despojado al matrimonio de su presión social: es posible vivir una vida fuera de la caja madre-esposa-ama de casa se puede tapizar una ciudad con pensamientos revolucionarios es posible tener inspiraciones es posible no estar al servicio de la virilidad, la posesividad, la supremacía y el poder.

Más allá de todos los temas - ahora bien conocidos - de la Bárbara que nos gusta, debemos preguntarnos por qué un artista conceptual, pilar de la gráfica analógica, que tradujo el pegar de papel y pegamento en una obra de arte, es tan actual incluso en la era digital. "Parece que todo y nada ha cambiado desde la década de 1990", dijo la periodista Megan 'O Grady. En cambio, en veinte años ha habido una revolución tecnológica, pero lo cierto es que Barbara Kruger, además de haberse anticipado a los tiempos y creado los primeros memes de la historia, ha dado vida al mensaje corto, no con fines publicitarios sino con fines publicitarios. sentimiento cívico. La brevedad, tal vez dictada por la continua falta de tiempo, es hoy el desafío de comunicación: tweets de 280 caracteres, títulos listos para disolverse en Internet, lenguaje roto y rápido. El mensaje conciso pero intenso de Kruger ha respetado y respeta todos los cánones de la narración contemporánea. Por esta razón, muchos han considerado su trabajo como una forma de marketing sin marca, si no la suya propia. La artista les dijo a las feministas que hablar de feminismo sin el poder de las imágenes es casi inútil: hay que dar otra forma de belleza o desquiciar la canonizada para contar la otra cara de la feminidad. Su comunicación fue un arma que trató de anular el dominio, y sigue siendo relevante hoy.

Hoy en día, Kruger enseña en la Universidad de California: protege su privacidad y trabaja sin asistentes, prácticamente la mina de arte de EE. UU. Cuando la reportera Megan 'O Grady intentó entrevistarla para The New York Times Great's Issue, Kruger se volvió cada vez más reticente a medida que se acercaba el día de la entrevista. Y qué vergüenza pedir un retrato para ilustrar una pieza a alguien que, durante veinte años o más, ha trabajado y sigue trabajando para desmontar los clichés de la imagen! La producción artística de Barbara Kruger dio origen a historias y ensayos como el de mirada masculina por Laura Mulvey, Placer visual y cine narrativo (1975) - probablemente inspirado por el busto femenino tallada en piedra titulada "Sin título (tu mirada golpea el costado de mi cara)", obra firmada por Kruger que data de 1981.

"Todo estereotipo de violencia", "La inocente. No tienes nada que temer", "¿Quién se cree que es?" y nuevamente "No necesitamos otro héroe", "¿Es este mi único propósito?", "Adorna tu prisión", necesitamos, una y otra vez, nuevas consignas para regular el equilibrio social, político y económico. Por eso Barbara Kruger no deja de crear obras que cuentan la otra cara de la moneda (femenina).


GHISI, Theodore

GHISI, Theodore. - Nació en Mantua en 1536, donde ese mismo año su padre Ludovico, un comerciante originario de Parma, había sido "investido" por los Spedale con la posesión de una casa en el distrito de Cigno, luego reconfirmado a G. en 1576 y en 1590 (D 'Arco, II, págs. 138 y sigs., 267).

En los años decisivos de su formación, Mantua era una ciudad que, a la sombra del patrocinio de Gonzaga del cardenal Ercole y del duque Guglielmo, aún tenía muchas deudas culturales con Giulio Romano, fallecido en 1546: algunos maestros, que en diversos grados habían colaboraron con él, o que en todo caso habían crecido en contacto directo con sus obras, perpetuaron estilos y modelos, alimentando así el gusto de la corte ducal. En la traducción y mediación de topoi giulieschi, tuvo cierta importancia el taller de Ippolito Costa, en el que había que completar el aprendizaje de G., próximo a la misma edad, e hijo de Ippolito, Lorenzo, y no con este último, como Deje entender las fuentes (ibid., I, págs. 78 s.). Así, G. aprendió a utilizar un léxico impregnado de instancias manieristas observadas en los resultados alcanzados por el sitio pictórico de la catedral, inaugurado en 1552, más tarde integrado con las innovaciones romanas traídas a Mantua por el propio Lorenzo Costa, quien entre diciembre de 1561 y ' En octubre de 1564 colaboró ​​con Federico Zuccari en la decoración del casino de Pío IV y profundizó a través de las experiencias adquiridas durante las estancias en Roma, en Fontainebleau y en Flandes, de su hermano Giorgio, mayor de dieciséis años y todavía activo en el arte. de grabado. La colaboración que llevó a G. a aportar inventos traducidos gráficamente por su hermano se debe a una relación de influencia mutua. Esto es lo que sucedió con el grabado que representa a Angélica y Medoro, quizás de un cuadro desaparecido de G., pero que una vez se mantuvo en una colección privada en Amsterdam (Thieme-Becker, p. 565) o, para el de Venus y Adonis, que Giorgio procede de un original de G., perdido pero documentado en las colecciones de Gonzaga hasta 1627 (Luzio, 1913, págs. 95 y sigs.) Y conocido a través de una copia anónima conservada en el Musée des beaux-arts de Nantes. Un dibujo atribuido a G., relacionado con el detalle del putto con conejo, se conserva en Chatsworth.

Para confirmar las estrechas relaciones con el entorno de Mantua, y con Costa en particular, no es solo la Sagrada Familia con el s. Giovannino de la iglesia de S. Maria di Castello di Viadana, homenaje a los prototipos julianos, referible a finales de la séptima década o como muy tarde a principios de la octava, pero sobre todo el retablo con el Bautismo de Cristo, por que dos pagos hacia 1572, por el altar de S. Giovanni Battista en la iglesia palatina de S. Bárbara (Gozzi, 1974, p. 91).

Construida por voluntad del duque Guglielmo durante más de una década, a partir de finales de 1562, la iglesia fue un importante sitio de construcción donde los artistas trabajaron bajo la dirección de G.B. Bertani, arquitecto de la fábrica y responsable de la decoración de los altares, quizás incluso en el suministro de modelos a los pintores. El cuadro de G., una de sus primeras obras públicas, se sitúa así dentro de un ciclo homogéneo desde el punto de vista compositivo e incluso estilístico, cuyas declinaciones "romanas" se deben en parte a la presencia local de tapices con los Hechos de los Apóstoles. derivado de las caricaturas rafaelescas y donado por Guglielmo a la basílica palatina en 1569.

Si con el Bautismo de Cristo G. se adhirió a la pintura manierista de ascendencia romana, al representar un loro con extrema minuciosidad se mostró atento a la interpretación del detalle naturalista. En esos mismos años retrató, entre otras cosas, en dos dibujos a color, los loros presentes en la residencia de la duquesa Eleonora de Habsburgo, a petición de Ulisse Aldrovandi, quien describió el ecléctico museo propiedad de G. e instalado en un pequeña habitación en el edificio Te. Aquí le pagaban como "guardián" (Belluzzi, p. 69) y, desde 1574, tenía una habitación para pintar (Los grabados ..., p. 20).

En 1872, el oratorio de San Antonio de Mantua fue suprimido y destruido. Entre su mobiliario había dos cuadros realizados por G., la Trinidad entre los ss. Rocco y Sebastiano, ahora encontrados en un cuadro conservado en el Museo Castelvecchio de Verona, firmado y fechado en 1577, y el Encuentro de Joachim y Anna, encontrado en las colecciones del palacio ducal de Mantua. Es en particular en la composición de este último donde, además de las habituales fórmulas julianas, se registra una fuerte ascendencia nórdica, sin duda por el estrecho contacto con su hermano y su producción gráfica. Si se confirma la paternidad, la predicación del Bautista para la iglesia de Mantua de Ognissanti también podría remontarse a este período.

Hacia 1579 el G. estuvo activo en Carpi: en esta fecha su nombre aparece en los registros de la Cofradía de la Misericordia. De las pinturas realizadas en Carpi mencionadas por Campori (págs. 243 y siguientes), La Asunción de la Virgen para la iglesia de S. Giovanni Battista, la Virgen y el Niño con ss. Nicola y Lorenzo, para el oratorio de S. Nicola, se encuentra ahora en la iglesia de S. Rocco. En la catedral está la Visitación, realizada para Luca Paoletti, de la que el escudo y las iniciales aparecen con buena evidencia en la parte inferior central: es una obra que se puede fechar, como las otras Carpi, a finales de los años setenta. , también porque está muy cerca, en cuanto a técnica ejecutiva y estructura compositiva misma, a las pinturas de 1577 y, en particular, al Encuentro de Joaquín y Ana.

La Crucifixión y los Santos se remontan a principios de la década de 1980, ahora en la iglesia de S. Martino di Treviglio, pero de Mantua. La sólida plasticidad de las figuras está flanqueada aquí, especialmente en el detalle del paisaje de fondo, una veta descriptiva que, rendida con una particular nota cromática de tipo miniaturista, parece derivar de la actividad realizada por G. en el campo. de la ilustración del libro de personajes, tanto científicas (las suyas son las miniaturas del De omnium animalium naturis atque formis de Pier Candido Decembrio conservadas en la Biblioteca Apostólica Vaticana) como religiosas, con las nueve miniaturas supervivientes de los libros litúrgicos de la basílica palatina de Santa Bárbara.

Pintor pagado por la corte (que también se dirigió a él en busca de consejos sobre las colecciones ducales), G. participó, junto con otros artistas, en la empresa deseada por los señores de Mantua, realizando copias de retratos de personajes familiares a principios de los años ochenta. la colección creada por el archiduque Fernando de Austria-Tirol, hermano de la duquesa Eleonora, antiguamente conservada en el castillo de Ambras y hoy en el Kunsthistorisches Museum de Viena. Su actividad como copista, alentada por los numerosos encargos de Gonzaga, especialmente en la década de los noventa, le llevó a realizar copias para la familia Capilupi, ahora dispersa, de la serie de emperadores pintada por Tiziano para Federico Gonzaga. Mejor identificada (Tellini Perina, 1979 , p. 243), y en mayo de 1590 nuevamente una serie de emperadores (Bertolotti).

La reorganización impulsada por el duque Guglielmo de los lugares de poder debe enmarcarse dentro de un programa político global: además del palacio ducal, el castillo de Goito, que fue destruido en el siglo XVIII. Los "pintores más famosos y excelentes que se retiran" (Una descripción ..., p. 272) participaron en la decoración de las habitaciones. G., quien junto con Ippolito Andreasi preparó los dibujos animados en el Palazzo Te, está documentado en la sala de la Victoria del apartamento de Guglielmo, donde creó algunas pinturas de temas históricos dinásticos que han sido reconocidos en los grandes lienzos del castillo de Opočno, no lejos de Praga: el Juramento de Luigi Gonzaga, el Combate entre los hermanos Ludovico y Carlo Gonzaga, y, con atribución más dudosa (Berzaghi, 1985, p. 53), un Hecho de la casa Gonzaga. Colocando la acción principalmente en el primer piso abarrotado de pequeñas figuras, G. ciertamente cumplió con los pedidos de un programa de celebración dinástica, pero sin considerar el precedente más cercano e ilustre, consistente en los lienzos realizados por Tintoretto para las nuevas habitaciones deseadas por Guglielmo. en el palacio ducal.

A finales de 1587, el G. fue llamado a Graz, al archiduque Carlos II de Estiria, hermano de la duquesa Eleonora, como artista pagado por la corte. La primera comisión importante vio a G. comprometido en la ejecución del Symbolum apostolorum, firmado y fechado en 1588, y conservado en el Landesmuseum Joanneum de Graz.

Al concebirlo como una página ilustrada (recuadros laterales, algunos alegóricos, otros con Historias de Cristo, frente a la Gloria y panel central con la Creación de Eva), G. demuestra todas sus características: un pintor atento a los datos naturalistas en la interpretación. de animales siempre fiel a su origen clasicista rafaelesco, de donde derivan la mayoría de los esquemas empleados en los paneles menores de fácil vena miniaturista cuidada de recoger las influencias flamencas del hábil narrador. La adopción del esquema de los "misterios" del Rosario facilitó la declarada intención didáctica de la pintura, accediendo así a las peticiones del archiduque, comprometido en una obra de restauración católica dentro de su Estado.

El cuadro debía responder a las expectativas del cliente, tanto es así que en el mismo año 1588 el G. trabajó, como también recuerda una inscripción pintada en la bóveda, en el suntuoso mausoleo construido por el Archiduque Carlos para él y para su esposa Maria di Baviera, anexa a la basílica de Seckau. La decoración en su conjunto se debe a G., aunque contó con la ayuda, donde todas las sugerencias de matriz rafaelesca e incluso corresca se reducen a fórmulas gramaticales, a topoi retóricos codificados.

Las pinturas de las dos bóvedas de crucería que constituyen el techo con la Asunción de la Virgen y el Triunfo de la Iglesia se deben a G., el retablo con la Transfiguración flanqueado por pilares en el que los Cuatro Evangelistas están representados al óleo sobre yeso la gran tabla en la pared lateral sobre el cenotafio con el episodio de Sinite parvulos. Un retrato de familia real, para el que se utilizó un esquema paratáctico arcaico pero eficaz, representa un tema también recogido en un lienzo conservado en el Joanneum de Graz y ejecutado por G. al mismo tiempo, aunque con mayor libertad compositiva. Sin embargo, una de las características compositivas del G. permanece constante, a saber, la cancelación de los niveles intermedios que crea una brecha entre el horizonte y los planos inmediatamente cercanos al observador.

Todavía para la corte, G. pintó en 1587 los retratos de los archiduques, ahora perdidos, y los frescos de la capilla de la corte en Graz que Morpurgo (p. 54 y pl. LXXXIX) ya no recordaba en el lugar. Aunque Carlos II le había concedido una anualidad de 100 florines al año en 1589, G. regresó a Mantua en 1590. Sin embargo, los contactos con Graz no cesaron, si en 1599 el duque de Mantua Vincenzo intercedió ante G. para copiar para la archiduquesa María un cuadro de Luca Longhi que había visto en la abadía de S. Benedetto di Polirone (Luzio, 1913, p. 95).

Algunas pinturas indocumentadas, pero referibles a él, y hasta un momento inmediatamente después de su regreso a Mantua, están fuertemente afectadas por las experiencias maduradas por G. en Estiria y, sobre todo, por un cierto arcaísmo de la representación. La Maddalena della chiesa di S. Martino conferma le sue singolari doti coloristiche, come pure il Salvator Mundi della chiesa di S. Barnaba, dove lo sfondo di rovine può essere messo in relazione con i quadri realizzati in Stiria, ma anche con alcune stampe del fratello. Una tale sensibilità verso il rovinismo compare anche nella Madonna con Bambino del capitolo della cattedrale mantovana, ancora riferibile al G. e alla fine del nono decennio. A una fase più avanzata dovrebbero invece risalire due dipinti in collezioni private mantovane, l' Estasi della beata Osanna e il Gesù e le Marie (Tellini Perina, 1979, pp. 265-268).

All'inizio degli anni Novanta il G. lavorò nel duomo di Mantova insieme con Ippolito Andreasi. Condotta su iniziativa di Francesco Gonzaga, vescovo di Mantova, dal 1593 profondamente impegnato nella riforma della diocesi, l'impresa si estese alla decorazione ad affresco della cappella dell'Incoronata, del transetto e della cupola, nonché alla fornitura di cartoni per gli arazzi donati alla chiesa dal vescovo nel 1599.

Gli affreschi della cappella, con la Pentecoste e la Morte della Vergine sulle pareti e l' Assunzione nella volta, sono caratterizzati da un impianto di ampio respiro, e da una monumentalità senza fasto che si ritrova nei riquadri delle pareti del transetto, dove sono dipinti, in un intento ancora dichiaratamente dinastico, gli episodi più illustri della Chiesa mantovana. Esiti "neo-feudali" (ibid., p. 258) sono più evidenti qui che non nel resto della decorazione del transetto, negli ovali e ottagoni della volta con i fatti degli Ordini domenicano e francescano, o nella cupola, dove è rappresentato il Paradiso con i cori angelici .

Sottoposta a un programma dettagliato, questa parte della decorazione del duomo mostra una omogeneità stilistica tale da rendere poco agevole l'individuazione delle pertinenze specifiche del G., qui attivo fino alla morte. L'opera sarebbe stata proseguita dal solo Andreasi.

Già malato di gotta, il G. morì a Mantova nel 1601 e fu sepolto nella chiesa di S. Marco nella tomba da lui stesso fatta costruire. Lasciava Caterina, sua moglie, e il figlio Ludovico (D'Arco, II, p. 267).


TOMAS SARACENO: VITA E OPERE RIASSUNTE IN MINUTI (DI ARTE)

1. Tomás Saraceno è un artista, architetto e performer, considerato uno dei più importanti artisti contemporanei del Sud America. Nasce a San Miguel de Tucuma in Argentina nel 1973, ma trascorre alcuni anni dell’infanzia in Italia, per poi far ritorno in Argentina e studiare architettura e arte a Buenos Aires.

Nel 2001 torna in Europa e si iscrive alla Städelshule di Francoforte (una scuola di arti applicate molto selettiva) allora diretta da Daniel Birnbaum, mentre nel 2003 frequenta il corso di Progettazione e Produzione delle Arti Visive allo Iuav di Venezia tenuto da Hans Ulrich Obrist and Olafur Eliasson.

2. La formazione di Saraceno si è sempre contraddistinta per essere a cavallo tra architettura, arte e scienza. Infatti al di là degli studi artistici, nel 2009 raffina gli studi presso l’International Space Studies Program della Nasa nella Silicon Valley.

Nel 2012 è stato il primo artista residente al Center for Art, Science and Technology (CAST) al prestigioso Massachusetts Institute of Technology (comunemente chiamato MIT), mentre nel 2014 ha fatto una residenza al Centre National d’Études Spatiales (2014–2015) a Parigi.

3. La prima partecipazione di Saraceno ad un’esposizione internazionale avviene alla Biennale Architettura a Venezia nel 2002 (a cura di Deyan Sudjic).

Da quel momento nascerà un rapporto particolare con la Biennale di Venezia (sia quella di Arte che di Architettura) che culminerà con numerose partecipazioni, sempre apprezzate: nel 2003 (Biennale arte a cura di Francesco Bonami), nel 2009 (Biennale Arte a cura di Daniel Birnbaum), nel 2014 (Biennale Architettura a cura di Rem Koolhaas ) e nel 2019 (Biennale Arte a cura di Ralph Rugoff ).

4. Una delle più grandi fonti di ispirazione di Tomás Saraceno sono i ragni e le ragnatele. È stato il primo infatti ad utilizzare uno strumento in grado di misurare, scansionare e digitalizzare in 3d una ragnatela.

Nel 2010 alla Bonniers Konsthall di Stoccolma presenta 14 Billions un’installazione in cui per la prima volta nella storia viene presentata la scansione tridimensionale di una ragnatela, di una vedova nera. Le sue ricerche sui ragni proseguono tuttora nel suo Arachnid Research Lab.

5. Un’installazione di grande impatto dedicata alla ragnatela è In Orbit presentata nel 2013 nella piazza Ständehaus di Düsseldorf, o per essere più precisi sulla piazza. Perché In Orbit è una grande ragnatela contenente delle sfere di 2.500 mq suddivisa in tre livelli, sospesa a più di 25 metri dal suolo completamente abitabile.

I (coraggiosi) visitatori potevano salirci e vedere la piazza dall’alto come se volassero. Come per le ragnatele, ogni visitatore che saliva, modificando la tensione dei fili generava una vibrazione percepita da tutti i presenti. L’idea di Saraceno era proprio riuscire a dare agli spettatori una percezione dello spazio tramite la vibrazione della struttura, come accade per i ragni.

6. Un’installazione dal concetto simile, On Time Space Foam(il titolo è preso da un’espressione usata dal fisico Paul Davies riferita alla teoria dei quanti) è stata presentata nello stesso anno all’hangar Bicocca di Milano, a cura di Andrea Lissoni.

Si tratta di un’installazione praticabile fatta di membrane poste a 20 metri dal suolo, in cui gruppi limitati di visitatori potevano tuffarsi e muoversi come se fosse un enorme dirigibile/nuvola. L’effetto di chi osservava dal suolo era quello di una grande membrana organica i cui movimenti dei fruitori rendevano viva.

7. Lo spazio e la gravità sono altri temi ricorrenti in Saraceno. Il suo progetto Cloud Citypresentato nel 2011 all’ Hamburger Bahnhof di Berlino era ispirato a cupole geodetiche di Buckminster Fuller e ai fantastici giardini sospesi di Alex Raynold.

L’installazione consisteva in Diverse sfere, simili a gigantesche bolle di sapone con all’interno piante e piccoli giardini. Alcune erano sufficientemente grandi da permettere al fruitore di entrare e vivere un’esperienza di sospensione.

8. Cloud Cities è parte di un progetto più ampio in cui Saraceno immagina di poter ricreare una città transnazionale ed ecosostenibile tra le nuvole ispirandosi a bolle di sapone e ragnatele.

Un’ispirazione che si avvicina molto alla progettazione utopica di studi di architettura come gli Archigram, gruppo di avanguardia che negli anni ’60 ipotizzavamo strutture visionarie ed utopiche che dovevano influire sullo stile di vita degli abitanti. Non è un caso che nella sua formazione alla Städelshule di Francoforte Saraceno abbia studiato anche con Peter Cook tra i fondatori degli Archigram.

9. Il cielo rientra anche nel grande progetto di Tomás Saraceno dal titolo Aerocene, presentato durante la Conferenza sui Cambiamenti Climatici al Gran Palais di Parigi nel 2015. Si tratta di un progetto che fa alzare in volo e fluttuare in cielo sculture volanti ad emissioni zero. Tutto avviene grazie al calore del sole e alle radiazioni infrarosse emanate dalla Terra. Il progetto è tuttora attivo ed in continua evoluzione.

Nel gennaio 2020 Aerocene Pacha ha fatto decollare e riportare a terra una persona con un viaggio in una mongolfiera a totale emissione zero.

10. l progetto Aerocene mira a sensibilizzare la gente ad immaginare un mondo ecologista e senza emissioni, creando una comunità open-source con cui collaborare e immaginare nuove pratiche. Sul sito ufficiale del progetto è possibile entrare a far parte della community.

La mostra

“Tomás Saraceno – Aria”
Al Palazzo Strozzi di Firenze
fino all’1 novembre 2020


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